SHREK TERCERO

SHREK TERCERO

HAIR SPRAY

HAIR SPRAY-SUELTATE EL PELO

LLEGA A LA PANTALLA GRANDE LA ADAPTACIÓN DE LA ACLAMADA Y PREMIADA COMEDIA MUSICAL DE BROADWAY GANADORA DE 8 PREMIOS TONY: HAIR SPRAY.
ESTA COMEDIA SE DESARROLLA EN LA DÉCADA DE LOS 50′S Y NOS LLEVARÁ A CONOCER A TRACY TUMBLAND, UNA ESTUPENDA CHICA CON UN ENORME CABELLO Y UN GRAN CORAZÓN. ELLA TIENE UNA PASIÓN Y ES BAILAR.
SU SUEÑO SE COMPLETA CUANDO GANA UN ESPACIO EN UN PROGRAMA DE BAILE DE LA TELEVISIÓN Y…..
NO TE LA VAYAS A PERDER
SERÁ EL ACONTECIMIENTO MUSICAL DEL AÑO

DOCUMENTA MADRID

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Crónicas latinoamericanas inéditas y diez hitos del cine documental en DOCUMENTA MADRID

• La IV edición del festival descubre en Hitos del cine documental los diez mejores títulos de la historia, elegidos por los realizadores participantes

• DOCUMENTA MADRID 07 bucea en los universos desconocidos de la realidad latinoamericana con su sección Registrando Olvidos

• Documenta otros Festivales traslada a los espectadores a dos muestras imprescindibles del cine documental: DocLisboa y L’Alternativa

Madrid, 17-abr-’07
Documenta Madrid 07 contará con cinco Comités de Jurados, que seleccionarán las mejores películas de las secciones competitivas entre un total de 102 títulos.

El Jurado de Largometrajes de Creación Documental estará formado por: el realizador mexicano Juan Carlos Rulfo, que ha desarrollado un estilo muy personal en películas como El abuelo Cheno y otras historias (1995), Del olvido al no me acuerdo (2000), sobre su padre, el escritor Juan Rulfo, o En el Hoyo (2006) -su último trabajo, premiado en Sundance y Karlovy Vary, y cuyo preestreno en España tendrá lugar en una de las sesiones especiales del festival-, Diego Mas Trelles, productor y director de documentales para televisión, presidente de DocusMadrid, miembro del European Documentary Network, y presentador y director del programa Documenta2 de TVE, y el argelino Jean-Pierre Rehm, director del prestigioso Festival Internacional de Cine Documental de Marsella, FIDMarseille, y experto en Historia del Arte.

El Jurado de Cortometrajes de Creación Documental contará con Margarita Maguregui, miembro desde 1994 del Comité Directivo y coordinadora del Festival de Cine Independiente de Barcelona, l´Alternativa, la camerunesa Florence Ayisi, profesora de cine y producción galardonada con numerosos premios internacionales por su largometraje Sister in Law, y la documentalista hispano-holandesa Sonia Herman Dolz, autora a la que el Festival dedica este año una retrospectiva.

Los miembros del Jurado del Concurso de Reportajes serán Milagros López Novoa, antigua subdirectora del programa Documentos TV de TVE, Giuliano Girelli, presidente y fundador de la asociación italiana de cine documental y social DOCUMÉ, y el realizador Radu Gabrea, autor de filmes como Too Little For Such a Big War (1969), Under the Sign of Love (1994) o el montaje Maria Callas, La Divina extraordinariamente acogido por el público internacional.

El Jurado del Certamen Nacional estará compuesto por José David Cáceres, editor de la revista on-line Miradas de Cine y autor de numerosos ensayos y proyectos editoriales, Claudio Utrera, director del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria desde 1999 y colaborador y crítico cinematográfico desde los años sesenta en diversos medios escritos y televisivos, y Dennis West, redactor de la publicación neoyorkina Cineaste Magazine y experto internacional en cine español.

Por último el Maratón Avid / HP XPRÉSSATE contará con la presencia en el Jurado de Nieves Sánchez, Pablo Blanco, creador de la productora Atalanta Postproducción y de Mar Muro, distribuidora de cortometrajes bajo el sello de Lolita Peliculitas Artes Visuales, S.L.

Ciclos
Además de la potente Sección Oficial, en la que este año participan un total de 102 películas, Documenta Madrid cuenta con una amplia Sección Informativa en la que destacan tres ciclos:

Registrando olvidos recupera los documentales contemporáneos más interesantes realizados en Latinoamérica. Esta mirada al otro lado del Atlántico muestra, entre otras realidades: la vida de los fugitivos que cada día intentan cruzar la peligrosa línea fronteriza entre EEUU y México recogida en Asalto a un Sueño (Uli Stelzner, 2006), o la experiencia subjetiva de ver la prisión desde su interior de Arcana (Cristobal Vicente, 2005), un peculiar homenaje a los ciento cincuenta años de historia de la cárcel de Valparaiso.

Esta sección cuenta además con fascinantes retratos de personajes de la historia más reciente de América Latina como la del genial escritor argentino Jorge Luis Borges cuyo cuento El Sur es la base de la película Borges, un destino latinoamericano (José Luis Di Zeo, 1986) única película en la que Borges interviene de las que se han basado en sus textos, las de Hortensia Bussi o Joan Jara – viudas de Salvador Allende y el cantautor Victor Jara- en Cruel separación (Sarah Boston, 2006) donde comparten la visión de la dictadura chilena con Ángela Jeria, que sufrió la brutalidad de los militares de primera mano cuando fue recluida en Villa Grimaldi con su hija Michelle Bachelet- la actual Presidenta de Chile-, y con Joyce Horman, en cuya historia está basada la película de Costa Gavras Missing.

Entre los testimonios de la interminable lucha de los pueblos de latinoamérica destacan también trabajos tan comprometidos como Hasta la Última Piedra (Juan José Lozano, 2006), la historia de resistencia, coraje y dignidad de los campesinos de la Comunidad de Paz de San José de Apartadó en Colombia, las consecuencias de la lucha armada contra la dictadura brasileña de los años sesenta en Hércules 56 (Silvio Da-Rin, 2006), o la película Soy Cuba: el Mamut Siberiano (Vicente Ferraz, 2004) sobre el proceso de realización de la superproducción propagandística del cineasta soviético Mihail Kalatosov en 1964, redescubierta treinta años después por Martin Scorsese y Francis Ford-Coppola.

Hitos del cine documental es una sección que surge de una encuesta realizada entre todos los realizadores y productores participantes en Documenta Madrid 07 a quienes se les preguntó acerca de los que ellos consideraban los mejores documentales de todos los tiempos. Entre esos diez títulos imprescindibles destacan: Nanuk el esquimal (Robert J. Flaherty,1922), película considerada como la fundadora del género documental, el crudo retrato de la España rural de Las Hurdes, tierra sin pan (Luis Buñuel, 1933) , la impactante La Pesadilla de Darwin (Hubert Sauper, 2004), la exitosa Bowling for Colombine (Michael Moore, 2002), o la obra de referencia sobre el Holocausto judío, Shoah (Claude Lazmann,1985) -de nueve horas y media de duración-, que recoge estremecedores testimonios de víctimas, testigos y responsables del genocidio.

Completan este decálogo: Chelovek s kino-apparatom (El hombre de la cámara, Dziga Vertov,1929), el excelente documental mudo experimental, la francesa Nuit et Brouillard (Alain Resnais,1955), filmada doce años después de la liberación del campo de concentración de Auschwitz, la visión de primera mano de la última etapa de la presidencia de Salvador Allende en La Batalla de Chile (Patricio Guzmán, 1972-1977), el debut de la trilogía Qatsi sobre el mundo moderno y la naturaleza perdida, Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1982), y Sans Soleil (Chris Marker, 1983), película fundadora del cine ensayo y uno de los hitos de la iconografía contemporánea.

Documenta otros Festivales: en esta sección se proyectará una selección del palmarés de dos de los mejores festivales internacionales de cine documental en la actualidad: L’Alternativa y DocLisboa. El Festival de Cine independiente de Barcelona, L’Alternativa -que este año celebra su 14ª edición- programa tres sesiones que abordan el documental desde una perspectiva reivindicativa, comprometida y experimental. Como representación de la escena contemporánea lusa Documenta Madrid proyectará algunos de los trabajos premiados en la última edición de DocLisboa.

Otros ciclos y retrospectivas
La Sección Informativa ofrece también otros ciclos y retrospectivas:

Retrospectiva Sonia Herman Dolz una muestra de películas de la realizadora nacida en Madrid en 1962 con títulos tan reconocidos como Romance de valentía (1993), sobre el arte del toreo que recibió multitud de premios en numerosos festivales internacionales o Lágrimas negras (1997), sobre el grupo musical cubano “La Vieja Trova Santiaguera”.

Cultura Urbana: el Festival de Cultura Urbana programa un nuevo ciclo de documentales que muestran las últimas tendencias de expresiones artísticas como el hip-hop, el graffiti, el skate y la música rap.

Formas Híbridas: una selección de calidad de las últimas tendencias en el cine documental alemán.

Doc’s in Europe, una iniciativa de EuroFilmfest, presenta una selección de películas de España, Irlanda, Luxemburgo, República Checa.

Completan esta extensa sección fuera de concurso el ciclo de proyecciones Distrito Artes, con títulos de producción reciente tan conocidos como Camino a Guantánamo, Borat o El gran silencio, Documenta el Firmamento, con programación del Planetario de Madrid, las proyecciones de DocuAventura 07, los ciclos Michael Moore y coetáneos II, Documenta el Vino, Documentales en el Novísimo cine español, y las diferentes actividades paralelas al Festival en un programa plagado de citas apetecibles

LOS MENSAJEROS Y SU PRODUCCIÓN

SOBRE LA PRODUCCIÓN DE “LOS MENSAJEROS”

Danny Pang y Oxide Pang, los gemelos conocidos como los Hermanos Pang, son talentos multifacéticos que han alcanzado la fama internacional como cineastas de Hong Kong con films como “The Eye”(EL OJO que presentamos en premiere hace algun tiempo) y “Bangkok Dangerous”.

Con “The Messengers” realizan su primera incursión en el cine norteamericano, reuniendo un reparto formado por Kristen Stewart (la Habitación del Pánico), Dylan McDermott (The Prentice), Penelope Ann Miller (Atrapado por su Pasado), y John Corbett (Serendipity, Doctor en Alaska).

El concepto del guión escrito por Mark Wheaton y de la historia original de Todd Farmer se vió enriquecido con la visión oriental de estos gemelos Pang. Wheaton comentó “Los Pangs son tan visuales, mucho de lo que trajeron a la mesa en la etapa de la escritura del guión era la simplicidad, lo traspasaron a la imagen de modo que el idioma no fuera una barrera. Yo escribía los diálogos en la noche y poco tiempo después ellos llegaban con un completo storyboard”

Los hermanos Pang se entusiasmaron más con el proyecto al conocer al productor Raimi , ellos comentan “le dijimos que queríamos poner un elemento escalofriante en la película, pero al mismo tiempo ser lógicos”, afirmó Danny. “Nuestro estilo se basa en el silencio porque creemos que un aspecto escalofriante siempre aparece del silencio, cuando viene de direcciones diferentes, de mucha gente. Para nosotros, lo que nos espanta es cuando estas en una habitación solo y la habitación esta totalmente callada. No necesitamos efectos de lluvia. No necesitamos un apagón. No queremos que aparezcan todos los elementos clásicos de una película de horror. No queremos que todo pase de noche”.

Los directores pretenden conseguir lo que otros directores han hecho, desde Hitchcock: hacer un buen film de terror de día. Este enfoque es lo que resultó más fascinante y desconcertante a la vez para el productor William Sherak: “Cuando hablas de terror, piensas automáticamente en la noche. Lo que ellos están haciendo es convertir las horas diurnas en algo espeluznante. Por la noche, encender las luces es un modo de escapar del miedo. Pero durante el día, las luces ya están encendidas, así que, por decirlo de alguna manera, no hay a dónde ir. Si podemos utilizar los miedos básicos de las personas durante el día…, revolucionaremos el género de terror.”

Dentro de la película los hermanos Pang utilizaron varios elementos que se convierten en un personaje por si mismos y que nos ayudan a crear esta atmósfera para el terror, una combinación poco convencional: una casa embrujada, los girasoles, los cuervos, el color verde de la granja que según la mitología china representa el poder de los fantasmas.

Esta película fue rodada a 100 millas de Montana /Dakota del Norte, cerca de la frontera con Canada. Una región agrícola donde crece el trigo y los girasoles.
La premiere se llevará a efecto en los Cines SIGLO XXI el 26 de abril a las 21:30 Hrs. Es una película distribuida por ARTECINEMA

LOS MENSAJEROS

LOS MENSAJEROS

Llega en avant premiere una historia que te dejará pasmado y claro que no la podrás olvidar. Prepárate porque este 26
de abril ARTECINEMA bajo la coordina- ción de Cine Y Algo Más…y POR ESTO! en los Cines Siglo XXI a las 21:30 Hrs. te invitaremos a conocer lo que acontece con una Familia.
Este es un resúmen de lo que conocerás. Primer lugar de taquilla en la Unión Americana durante su estreno.
La familia Solomon se muda de la gran ciudad a una granja en Dakota del Norte. Desde un principio la adolescente Jess (Kristen Stewart) se siente incómoda con el cambio. Pero cuando ella y su hermanito de tres años Ben (Evan y Theodore Turner) empiezan a ver gente muerta, sus padres Roy (Dylan McDermott) y Denise (Penélope Ann Millar) piensan que, o está tratando de llamar la atención, o está teniendo problemas psicológicos.

Sin apoyo de sus padres, Jess trata de descifrar lo que los muertos le tratan de decir: al parecer se trata de una advertencia relacionada con la misteriosa desaparición de los anteriores moradores de la granja, y de lo que le puede pasar a su familia…

Los hermanos Pang nos han presentados ya varias películas de horror que realmente asustan, y esta película no es excepción, por lo que los amantes del género no saldrán decepcionados.

GUILLERMO DEL TORO ES…

Guillermo del Toro es un “freak” por naturaleza.
por Carmen Sánchez Dávila.

Con un léxico florido de acuerdo a esta época primaveral y con una actitud fuera de poses como la que ha mantenido, ya sea para acudir a las glamorosas entregas de premios, al Senado de la República y a Los Pinos (residencia presidencial), Guillermo del Toro se encontró con jóvenes que lo escucharon en la Cineteca Nacional en la apertura del ciclo que se le dedica en ese recinto.
Durante 45 minutos, el laureado director jalisciense sostuvo una charla con el director de la Cineteca, Leonardo García Tsao después de la proyección de su corto “Doña Lupe” que hizo con “esa voluntad de llevar la contra es lo que me ha hecho la vida más fácil”.

Porque dijo que en aquella época, cuando hizo su primer cortometraje en 1985, le dijeron que hiciera una película en la que no hubiera palabras altisonantes y nada de droga.

“Entonces hice un corto con hartas groserías y del narco”, frase que arrancó sendas carcajadas como muchas de las palabras que expresara esa noche. Esa experiencia cinematográfica a del Toro le dejó la idea de realizar en el futuro una película de corte policiaco “que fuera todo clase media, un policiaco pitero”.
La nominación que tuvo al Oscar en su pasada entrega por “El laberinto del fauno”, el director no cree que le de más prestigio. De este premio aseguró que no se preocupará más adelante “porque los alemanes siempre van a estar ahí”, y no se imaginaba que por ser su película aspirante a esa estatuilla, las cosas se le dieran más fáciles, comentó que él, en Hollywood solo soñaba tomarse un café –como ya lo hizo- con Cristopher Lee.

Sus pretenciones como cineasta son: “Si entre el público mi trabajo le gusta a veinte personas, me dan igual las críticas de 20 millones de cabrones. Yo ante todo soy fiel al espíritu freak, soy un freak por naturaleza al que le gusta el cine… y por cierto, no fui yo el que se tiró el pedo”.En la plática, el “gordo” como le dicen sus amigos por obvias razones, contó varias anécdotas vividas durante la realización de sus diferentes películas como “Cronos”, que inauguró la muestra de su retrospectiva y que describe el universo fantástico y cruel de su cine, por lo cual se le interrogó acerca de la melancolía y violencia que existe en sus películas.

“Creo que para que exista la poesía, deben existir el amor y la brutalidad…” y en ese contexto el director de “Mimic”, que también siente fascinación por los insectos, describió que el cine “es tan libre como la pintura”.
Dijo que cuando se estrenó “Hellboy” en la Unión Americana, en algunas salas no querían exhibirla “porque estaba al mismo tiempo en cartelera `La Pasión´, de Mel Gibson, que era más sangrienta que mi película, además el público ya sabía en que terminaba”.

Y durante una exhibición de “El laberinto del fauno” en Estados Unidos una señora lo increpó sobre la crudeza del film a lo que señalo que los cuentos de hadas son crueles por excelencia “Pasa que nos hemos acostumbrado a las versiones light de Disney. En `La Cenicienta´ a las hermanastras se les amputan los dedos para que les quepan los zapatos, y después del baile bajan del cielo unas gaviotas y les sacan los ojos”.

Y en el mundo cinematográfico de Guillermo del Toro lo melancólico pervive porque “no hay que tomarse la vida ni nada demasiado en serio, pero si hay que llenarla de humor, y el humor es muy importante para mi y cuando me azoto, lo hago desde el suelo y más abajo todavía, y bueno, por eso es así mi trabajo, plagado de una nostalgia muy fuerte, porque eso me gusta a mi”.

Por lo pronto la próxima cinta del director es “Hellboy II” y entre su labor estará el apoyar a jóvenes realizadores a conocer la industria del cine por lo cual “me voy a llevar a un grupo de chavos a mis rodajes y los voy a colocar en puestos clave para que conozcan la producción profesional. Les pediré que me tengan paciencia porque a veces de 100 escojo diez. A los que no queden, por favor, no me vayan a tachar de ser un pinche gordo ojete”.

La retrospectiva de Guillermo del Toro en la Cineteca concluyó el primero de abril con películas como “Doña Lupe”, “Geometría”, “Hora Marcada”, “Cronos”, “Mimic”, “El Espinazo del diablo”, “Blade 2”, “Hellboy” y “El laberinto del Fauno”.
CORTESÍA DE FILM WEB

ALFONSO CUARON

Porque tiene proyectos en el cine mexicano, ALFONSO CUARON lucha por mejorar el quehacer fílmico nacional.
por Fabián de la Cruz Polanco.

Dejando un poco al descubierto su rol de “mandilón”, al asegurar que la única manera de que regrese a radicar a México es que se logre convencer a su espora, de origen italiano, de vivir en nuestro país, Alfonso Cuarón dijo que tiene mucho interés en que se mejoren las condiciones para hacer cine en México, por lo que unió fuerzas con sus colegas Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu.

Sin embargo, dejó en claro que el que se realizaran esas reuniones entre ellos, como representantes de la comunidad fílmica nacional, con dirigentes del gobierno y ejecutivos de las estaciones de televisión, fue por “mera coincidencia”, haciendo a un lado la posibilidad de que estos tres directores sean tomados como líderes totales de una revolución cinematográfica nacional.

“Todo fue coincidencia en la realización de las reuniones. Pero hemos descubierto que cada una de las partes tiene interés en hacer algo. Hay que ser muy cuidadosos en no entrar en conflicto y demonizar a distintos grupos, porque todos somos una comunidad.

“Hemos estado tirando (sic) tres propuestas de parte, también, de tres gentes involucradas en el cine con cierta influencia en el quehacer fílmico. Una de ellas ya está desatorada, que es la propuesta 226 sobre el incentivo fiscal hacia el cine. Ahora falta ver que la burocracia no la absorba, porque hemos leído periódicos que dicen que existen por ahí voces prehistóricas que quieren crear comisiones y demás para controlarlas.
“Las otras son la integración para tratar de hacer un círculo más elocuente entre producción, distribución, exhibición y recuperación y eso va atener que ver con las pláticas con exhibidores y la televisión, en el que se creen unas condiciones que, a muy corto plazo, van a ser benéficas para todos.

“Pero estas propuestas no son nuestras, sino de toda una comunidad fílmica que nosotros, básicamente, lo que hicimos fue desglosar y ver cuáles, a nuestra manera de ver, eran las que se podían implementar inmediatamente o en un futuro próximo y que tuviesen un impacto inmediato también”, dijo el realizador de “Harry Potter y el prisionero de Azkaban”.

Finalmente. Alfonso Cuarón dijo que por el momento no tiene planes de dirección próximos, y que lo más inmediato en esos momentos era asistir a la premier de la cinta “Jonás, mi hijo” en el festival de cine en Guadalajara.

“Tengo proyectos en México, pero no puedo hablar de ellos en este momento, además de que me gustaría regresar a vivir a México. Pero no está en mi realizar esa cuestión… Si convences a mi esposa italiana de que se venga a vivir acá, a lo mejor yo lo hago.

“Por ahora no tengo nada inmediato en relación con el cine. Lo único que tengo pensado es ir al festival de Guadalajara a ver ‘Jonás mi hijo’, que no he visto y nada más”.
CORTESÍA FILM WEB

ALATRISTE

En “Alatriste”, Viggo Mortensen da vida a un antihéroe que se rebeló en pleno siglo XVII.
por Perla Schwartz.

La película más cara del cine español (21 millones de euros) llega a las pantallas nacionales. “Alatriste” dirigida por Agustín Díaz Yanes, quien acometió un temerario proyecto de resumir a lo largo de dos horas y media, varias novelas de la saga de dicho personaje, surgido de la imaginación de Arturo Pérez Reverte.

El resultado es ostentoso. Es grande el impacto visual, pero sin embargo la cinta no está del todo lograda puesto que es lenta, un tanto sosa, abundante en incongruencias y con varios personajes un tanto desdibujados a los cuales les faltó mayor fuerza dramática. Sin embargo lo que no se puede objetar es la cuidada dirección de arte para recrear el siglo XVII y la espléndida fotografía un tanto tenebrosa de la autoría de Paco Femenia.

Y por supuesto la vigorosa presencia de Viggo Mortensen en el papel protagónico, el cual es está muy bien construido y es creíble que se trata de un antihéroe ,un soldado venido a menos que hace uso de su espada y de sus destrezas para el combate para poder sobrevivir en la España de Lope, Calderón y Quevedo, éste último muy caracterizado por el veterano Juan Echánove.

“Los años que abarca la película son de 1622 a 1643 que corresponden con casi todo el último imperio español. Diego Alatriste es un soldado pobre, pero que tiene gran dignidad”, comenta el realizador.

En efecto el capitán Diego Alatriste es un anarquista conservador, es un aventurero a ultranza, un mercenario que tras haber combatido en la batalla de Flandes, le promete a su amigo Balboa, cuidar de su hijo Iñigo (Unax Ugalde) y hacer de él un hombre de bien, cueste lo que cueste.

El marco es la corte del rey Felipe IV donde imperan las intrigas y la corrupción, Alatriste junto con Malatesta (Enrico Loverso) son contratados para dar muerte a una serie de personajes misteriosos que se oponen al poder político, misión sumamente difícil y que en la cinta es mostrada con crudas escenas de lucha.

Un remanso para el capitán Alatriste son sus escarceos amorosos con la eximia actriz María de Castro (Ariadna Gil), que viniera hacer su alter ego femenino, puesto que con ella puede comunicarse a niveles más profundos que los otros.

“Alatriste” es una película un tanto plana, sin mayores sorpresas, hay más diálogos que acción, en momentos su director acierta en recrear escenas que emulan la iconografía pictórica de Diego Velásquez, mientras que en otras hay más caos que consistencia a pesar de contar en su reparto con experimentados actores como lo son Javier Cámara, Elena Anaya, Eduardo Noriega, entre otros.

Hay también un homenaje involuntario a cintas de Erroll Flynn como “Los tres mosqueteros” o “Robin Hood”.

Lo más destacable es su impacto visual, pero para este tipo de sagas, los norteamericanos suelen filmar cintas mucho más afortunadas. Y bien dice el dicho “el
que mucho abarca poco aprieta”, tal vez aquí estriba el mayor problema en que Agustín Díaz Yanes, quiso comprimir tantas novelas en una misma película
CORTESIA DE FILM WEB

ROCÍO DÚRCAL FUE ACTRIZ JUVENIL

ANTES DE CANTAR RANCHERAS, ROCÍO DÚRCAL FUE ACTRIZ JUVENIL por Leopoldo Villarello Cervantes.

El pasado 25 de marzo, se cumplió un año del fallecimiento de Rocío Dúrcal y a los lectores que se pregunten qué hace un artículo acerca de ella en una revista de cine, habré de comentarles que ella empezó su carrera como actriz y cantante juvenil, siendo un tanto de contrapeso a la rubiecita Marisol, quien a su vez había surgido como el equivalente femenino del “ruiseñor” Joselito.

Eso acontecía en el despuntar de la década de 1960. Con su cuerpo delgado y ojos pizpiretos (dirían los castizos) Rocío debutó en la pantalla grande en 1962. Estaba por cumplir los dieciocho años (aunque hasta 1964 protagonizaría y entonaría “Tengo diecisiete años”,(“que enfermedad, si si si si. Cuando tenga dieciocho, se me curará”).

La película inaugural se tituló “Canción de juventud”. Las tramas bobaliconas y blancas rimaban con las cintas para niños en México. Todavía no teníamos a Juliancito Bravo, pero María Gracia ya había dado su cara a “Caperucita Roja”, con el “Loco” Valdés de Lobo feroz. Y Nino del Arco estaba por hacer su entrada triunfal.

La siguiente fue “Rocío de La Mancha”, sin Dulcinea se entiende. De 1964 también fue “La chica del trébol”, en coproducción italiana, con director y diálogos en ese idioma, para una especie de Cenicienta madrileña, cantando “Los piropos de mi barrio son muy castizos/huelen como los nardos/tienen hechizos… Los piropos de mi barrio…los guardo en mi corazón”. La música de Augusto Algueró es indisoluble de todas aquellas películas (fue su compositor de cabecera antes de JuanGa), pero los directores le cambiaban de película en película, al fin la estelar era Rocío.

No era grave que Luis Lucia dejará su lugar a José María Forqué (el papá de Verónica, ya saben, la chica Almodóvar de voz tipluda), o que éste cediera los trastos al argentino Luis César Amadori. Si bien “Más bonita que ninguna” (cuando Rocío era “una buena chica, una chica más”, y aún no tenía sex appeal) es un remake de “Luisito”, que él mismo había dirigido en 1943.

La internacionalización completa, es decir ya firme en tierras mexicanas y la etapa postadolescente de Rocío Dúrcal, voló también de la mano de Amadori, con quien rodaría en total cinco películas, y la meliflua “Acompáñame”. Enrique Guzmán daría el relevo a Palito Ortega de su galán en “Amor en el aire”. Previamente Rocío había rodado “Buenos días Condesita”, donde coreaba que “estaba contenta” porque todos sus amigos habían ido a su fiesta y se habían portado bien con ella, para en seguida modular la composición de Los Brincos, aquello casi felliniano de “En un cartel de publicidad, yo te vi, si señor a ti, yo te vi sonreír…aquél cartel se las traía”.

Ya entonces buscaba el salto a cintas menos simples, en fase seria o adulta. Los intentos, irregulares: “Cristina Guzmán”, (1968), “Las Leandras”, (1969) basada en la zarzuela. Al poco volvería a reunirse con su descubridor Luis Lucia en “La novicia rebelde” (1971). Era más antes de entrarle al destape y lesbianismo en “Me siento extraña”, (1977).

Los recuerdos por aquellas viejas comedias rosas en que intervenía la sonriente y angelical Rocío (“Quisiera ser un ángel”, tarareaba) salen a desempolvarse porque el primer programa triple al cual asistí, era justamente con tres en que ella actuaba. Deben haber sido “Canción de juventud”, “Rocío de La Mancha” y “Tengo 17 años”, o “Más bonita que ninguna” (para el caso, lo que me preguntaba entonces era cómo es que veíamos cosas españolas si no teníamos relaciones con la “Madre Patria”). El cine se llamaba Azteca, estaba ubicado en la glorieta de avenida Cuitláhuac y calzada Vallejo. No perduró al rigor del tiempo y embate destructor, pero las comedias con Rocío le han sobrevivido.
Cortesía de FILM WEB /GAME

ARIEL DE ORO A LÓPEZ TARSO

Honor a quien honor merece, el ARIEL DE ORO PARA IGNACIO LÓPEZ TARSO.
por Macarena Quiroz Arroyo.

Con más de cincuenta años de trayectoria, igual número de películas y 25 telenovelas, además de infinidad de obras de teatro e intensa actividad sindical como líder de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) Ignacio López Tarso recibió el Ariel de Oro por su carrera cinematográfica.

López Tarso fue el número 41 en recibir el Ariel de Oro instituido por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas en 1972 para reconocer la trayectoria de las grandes figuras e instituciones dedicadas al cine mexicano.
Para el primer actor mexicano el reconocimiento ha sido uno de los más importantes de su carrera y agradeció el que se lo haya otorgado en vida.

Ignacio López nació el 15 de enero de 1925 en el Distrito Federal. Sus padres fueron Alfonso López Bermúdez e Ignacia López Herrera. De niño, por el trabajo de su padre vivió en diversas ciudades de la República Mexicana.
En su etapa de adolescente ingresó al seminario donde tomó clases de griego y latín. Tiempo después dejó el seminario y emigró al Distrito Federal donde desempeñó diversas actividades, incluso se enlistó en el ejercito para la Segunda Guerra Mundial y trabajó como bracero en Estados Unidos donde sufrió un accidente que lo mantuvo inactivo algunos años.

En 1949 se inscribió en la escuela de actuación de Bellas Artes y paralelamente trabajó como anunciador en el Partido Revolucionario Institucional (PRI). En 1951 debutó profesionalmente en teatro con la obra “Nacida ayer” y a partir de entonces ha intervenido en más de 150 puestas en escena.
Pionero de la televisión. Su carrera en la pantalla chica inició en 1951 y hasta el momento suman casi treinta las producciones en las que ha intervenido.
En el 1952 hizo su debut en el cine en la película “Hambre nuestra de cada día”, y ha trabajado en más de 50 películas. También se ha interesado en la política. En 1974 ocupó la presidencia del Consejo Directivo de la Asociación Nacional de Intérpretes (ANDI), secretario general de la ANDA y del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC). También fue electo diputado federal en la LIV Legislatura.

También ha grabado discos de corridos dedicados a grandes figuras de la revolución mexicana.
En un par de semanas iniciará la grabación de la serie de televisión “El pantera”, producida por Televisa.

En su filmografía destacan títulos como:
“Reclusorio”, (1997).
”Santo Luzbel”, (1996).
“Codicia Mortal”, (1991).
”Astucia”, (1986).
”Under the Volcano”, (1984).
”Los albañiles”, (1976).
”La generala”, (1970).
”La vida inútil de Pito Pérez”, (1969).
”Las visitaciones del diablo”, (1968).
”Pedro Páramo”, (1967).
”Amor y orgullo”, (1966) Telenovela
”Cri Cri el grillito cantor”, (1963).
“El hombre de papel”, (1963).
”Corazón de niño”, (1963).
”La bandida”, (1963).
”Días de otoño”, (1962).
”Macario”, (1960).
“La sombra del caudillo”, (1960).
“La Cucaracha”, (1958).
”Nazarín”, (1958).
”Una mujer mas”, (1957).
”Feliz año amor mío”, (1957).
”La desconocida”, (1954).
”El hambre nuestra de cada día”, (1952).
CORTESIA DE FILM WEB

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